Olias of Sunhillow, una hermosa historia del espacio. Jon Anderson



Jon Anderson




Olias of Sunhillow



He aquí uno más, uno más de esos albumes conceptuales que Jon Anderson acostumbra crear con toda su genial inspiración y pulcritud musical, permitiendole trascender en el tiempo.

Este álbum de rock progresivo nos narra un cuento,  cuya inspiración fueron los dibujos del diseñador Roger Dean del álbum "Fragile" (1971) que ilustraba el LP de YES, y en el que se muestra un pequeño planeta desintegrándose y alrededor de él, un planeador que escapa hacia el espacio.

Y, en lo que se refiere al relato mismo de esta obra, está inspirada en los textos de la escritora, retratista y mística, Vera Dorotea Stanley Alder (1898-1894).


La historia nos cuenta:
Acerca de una raza alienígena y su viaje a un nuevo mundo  debido a una catástrofe volcánica.
En donde, Olias es el personaje principal, mencionado en el título, y el artífice  elegido para construir el planeador Moorglade Mover, que será utilizado para llevar  a su pueblo al un nuevo hogar.
Ranyart es el navegante del planeador, y Qoquaq (pronunciado “ko-sismo”) es el líder que une las cuatro tribus de Sunhillow para participar en el éxodo.

El álbum demandó 8 meses de tabajo físico, pero tomo dos años desde su concepción hasta su lanzamiento.
Anderson, utiliza más de un centenar de pistas en la elaboración del álbum, en las grabaciones de cuerdas, órgano, arpa y percusión. Y es Anderson quien ejecuta finalmente  todos los intrumentos de este álbum.

Como dato al margen: Olias of Sunhillow es uno de los cinco álbumes lanzados en solitario por miembros del grupo YES, entre 1975 y 1976.

Refiriéndose a la construcción del álbum , Anderson expresó:

“Estaba en un estado de locura haciendo ese álbum. Pero cada vez que lo escucho doy gracias a los Dioses”.


Agradecimientos a este hermoso trabajo de:  vzqk50HD - canal de youtube


Las Pistas:

Lado A

1.- Ocean song
2.- Meeting (Garden of Geda)
3.- Dance of Ranyart.
4.- Qoquaq en Transic
      Naon
      Transic To
5.- Flight of the Morglade

Lado B

1.- Solid Space
2.- Moon Ra
      Chords
     Song of search
3.- To the Reinner






Páginas de Interés:


Ocean song/ Dance of ranyart/Qoquaq en transic/ song of search



Bach. Fantasía y fuga en Sol menor BWV 542 (La Grande )



BACH    BWV 542
 Fantasía y fuga en Sol menor


Al parecer las partes integrantes de esta pieza para órgano  (BWV 542) la fantasía y la fuga fueron compuestas en épocas distintas.
Entre 1708 y 1717 La fuga en Weimar y entre 1717 y 1723 La Fantasía en Köthen.

Un poco de historia:
Según Felipe Spitta, Bach compuso la Fantasía y Fuga en sol menor para ganar una audición de un puesto de organista en la iglesia de San Jacobo, Hamburgo; que había quedado vacante en 1720.
Pero tocó la pieza  en la iglesia de Santa Catalina. En esa oportunidad se encontraba en la audición Johann Adam Reincken. (1623-1637,organista, compositor y violagambista alemán.), destacado en el ambiente musical en Hamburgo, quién exaltó el arte de  la improvisación de Bach diciendo: 


“Pensé que esta habilidad se había extinguido, pero veo que vive en ti”.

Con el paso del tiempo llegó a ser considerada una de las mejores de su repertorio organístico.

Basada  en una pequeña animada melodía popular llamada “Ik ben Gegroet”, mientras que la fuga está basada en “Hortus Musics” (1687), ambas canciones de origen holandés.


Agradecimientos a Canal de: gelpgimLa22 - youtube




ANÁLISIS.
La Fantasía

La fantasía tiene una estructura muy inusual, tiene partes de gran locura, alternadas con pasajes de serenidad y tranquilidad.
Muchas veces se cita a la fantasía como un preludio, pero también se lo puede considerar una tocata con dos secciones de fuga.
La atmósfera de la pieza nos lleva a un claro barroco de la época en que la fantasía fue escrita.
Existe un parecido con la Fantasía y Fuga en re menor BWV 903 ( de la serie de fantasías cromáticas), que fue escrita para clavecín.
Comienza con un acorde mantenido en la segunda voz y una nota pedal, lo que da un gran volumen al comienzo de la pieza. Después, aparece una melodía armada principalmente con fusas, semicorcheas y a veces corcheas, para luego arribar a lo mismo citado anteriormente: un acorde en do mayor, una nota pedal (siempre es un mi) y una corchea en la primera voz de que cuando se silencian las dos últimas voces, la voz más aguda continúa su melodía en una serie de fusas, todo mantenido en la misma plica. Esta estructura se repite seis veces, pero con ciertas diferencias melódicas. Luego, la melodía principal se va trazando de la primera a la segunda voz (el organista prácticamente recorre todo el manual con las manos), todo está armado solamente por fusas, con un mi en el pedal que se prolonga por un tiempo.
A continuación de toda esa secuencia aparece un pequeño silencio, seguido de una nota pedal (solo) y de una secuencia melódica muy diferente a lo anterior, que brinda una atmósfera más tranquila, lenta y melancólica, en donde hay un cambio en los instrumentos. Pero solo dura por unos compases, para que vuelva una secuencia de fusas, un silencio, unos acordes mantenidos se vuelven a tocar seguido de una secuencia de semicorcheas con fusas. Las secuencias compuestas de fusas, los acordes y el pedal mantenidos son recursos recurrentemente usados a lo largo de toda la pieza, como también los pequeños silencios luego de ciertas secuencias, lo que da una irregularidad única a la pieza.

La Fuga

La fuga tiene dos sujetos, uno largo y alegre que modula a través de varias tonalidades y un contrasujeto (Re-Sol-Fa#-Sol), Es una de las fugas más populares de Johan Sebastian Bach, ya que se han hecho numerosas copias manuscritas. La voz más aguda aparece como solista durante los primeros tres compases, en el mismo pentagrama aparece una segunda voz, la tercera voz aparece en el noveno compás (en el segundo pentagrama), mientras que el pedal hace una majestuosa entrada en el decimocuarto compás. Las primeras partes del pedal, se repiten en algunas partes de la fuga, pero en distintos tonos.
Fuente : Wikipedia


Pero, de cualquier manera, Bach confirmó además su reputación con esta obra. Con el ambicioso contenido,  que portaba en si misma la estructura de su fantasía y fuga.

Con el paso del tiempo llegó a ser considerada una de las mejores de su repertorio organístico.




Página de interés:



Tchaikovsky, un exigente violín para su concierto en Re mayor Op.35



Tchaikovsky. 
Concierto para violín y orquesta en Re mayor op.35



El compositor ruso (1840-1893) del género romántico se encontraba algo complicado para estrenar su última composición, pues no encontraba solista que lo hiciese.

Un poco de historia sobre este trabajo nos cuenta que a pesar que no era el violín el instrumento que dominaba, compuso su única obra para éste. Su concierto para violín y orquesta en  Re mayor op.35 (marzo 1878), un hermoso concierto con una alta exigencia para ser interpretado.

De gran ayuda fue su discípulo, alumno en composición Iosif Kotek, (ambos tocaban obras para violín y piano) quién lo asesoró con su experiencia en el manejo y potencialidad musical del violín.
Gracias a la asesoría de Kotek, Tchaikovsky  consigue asimilar  rápidamente este conocimiento con el cual forma la base para esta  obra en once días, hecho que le cuenta en una carta a su mecenas, Madame von Meck.

“Hoy terminé el concierto. Lo único que queda es copiarlo, varias veces (con Kotek, quien está aquí) y luego orquestarlo. Mañana comenzaré a copiarlo y explicar los detalles”.

Herttrich, 2011: 5 (1)

(1) Herttich, Hernst - 2011. “Preface”. En: Violin concerto in D major op 35. Piano reduction, Berlin: G. Henle Verlag and Breitkopf & Härtel, 5-7



De esta manera logra  terminar la estructura en las dos semanas siguientes. Finalmente y al cabo de un mes, el concierto queda terminado.

Es necesario agregar que el segundo movimiento fue revisado completamente por Kotek  y Modest Tchaikovsky (hermano menor de Pyotr).  Y,  según el propio Pyotr Tchaikovsky le comenta a un amigo que  Kotif, se ocupó con tal dedicación en esta labor que le resultó admirable.

Cabe reiterar que fue Kotek fue quien aportó su experiencia técnica del instrumento y, al parece ser, kotek hizo algo más que eso en la construcción del concierto.

Un antecedente más  sobre esta obra dice que una versión del movimiento original, se conserva como la primera de las tres piezas para violín y piano, “Souvenir d’un lieu cher” (recuerdo de un querido lugar).

Para los efectos del estreno, Tchaikovsky le dedica el concierto a Kotek que como sabemos  era un buen violinista, sin embargo no tenía el prestigio suficiente para presentar la obra, es entonces cuando Tchaikovsky se lo ofrece a Leopol Auer, quien lo rechazó argumentando que la obra era intocable.   

Como Auer en principio no aceptara tocarla, el estreno (1879) debió ser postergado indefinidamente. (tiempo después la interpretó). No obstante  frente al rechazo de Auer, Tchaikovsky se sintió muy desilusionado  y dijo:

“Tuvo el efecto de tirar a éste desafortunado hijo de mi imaginación al limbo de los olvidados sin esperanza”

Para el estreno fue finalmente  Adolf Brodsky quien  se hizo cargo de ello y se pudo estrenar en Viena-Austria el 4 diciembre de 1881.

Tchaikovsky aunque estaba decepcionado por el recibimiento  que tuvo su concierto, le agradece  a Brodsky la valentía para abordar y sortear las dificultades de la obra.
Teniendo en cuenta aquello, Tchaikovsky decide escribir a su editor:

"Si conoce la dirección de Brodsky, por favor escríbale que estoy profundamente conmovido por el coraje demostrado por él al interpretar una pieza tan difícil e ingrata ante una audiencia muy prejuiciosa".

Emery, The Violin Concerto, 256


Se debe complementar que Nadezhda von Meck (viuda empresaria rusa), fue quien mantuvo económicamente  a Tchaikovsky durante 13 años. A ella le dedicó su Sinfonía N° 4 en Fa menor.

La Crítica.

Con poco ensayo y pobremente acompañado la recepción de la crítica fue dividida, pero ciertamente no fue recibida como una obra maestra, situación diametralmente  opuesta en nuestros días.

En esa época el influyente crítico Edward Hanslick refiriéndose a la obra la llamó “larga y pretenciosa” y dijo que el mismo nos puso cara a cara con la idea repugnante que la música también puede existir para heder al oído”.

Sus Movimientos:

1.- Allegro moderato
2.- Canzonetta, Andante
3.- Allegro vivacissimo


Agradecimientos a Canal de: Classical Vault 1 - youtube



Fuentes y páginas de interés:

- Análisis del concierto para violín en re mayor Op.35 de Pyotr Ilich Tchaikovsky. 
De: Alejandro Luengas Ramirez 
- The Patroness who made Tchaikovsky Tchaikovsky 
By: Ant Tommasini - New York Times
By: Marina Popovic
By: Roger Dettner - AllMusic
By: Elizabeth Haight - Towson University.Departement of music.
- Violin Concerto in D Major, op 35 
 Partitura - Musopen


Miroslav Vitous, paradigma del jazz contemporáneo - Universal Syncopations





UNIVERSAL   SYNCOPATIONS



Miroslav Vitous

Es el prestigioso bajista Checo quien publicó  junto a su quinteto  este excelente álbum - Universal Syncopations -  del género jazzístico y con el estilo propio de jazz contemporáneo.

Dicho lanzamiento se realizó en septiembre del año 2003, bajo el sello ECM, cuya característica es publicar generalmente trabajos de muy fina factura de connotados exponentes del jazz, y en este caso hay que señalar la notable labor del productor y editor Manfred Eicher.

Se debe destacar como punto relevante que los integrantes de ese quinteto fueron y lo son ahora,   famosos músicos de renombre mundial, comenzando por el líder en este disco:

- Miroslav Vitous:  en el bajo
- Jan Garbarek: al saxo- soprano y tenor
- Chick Corea: al piano
- John McLaughlin: en la guitarra
- Jack DeJohnette: en la batería

También participaron en esta grabación:
-Wayne Bergeron: en la trompeta (tracks 2-4)
-Valery Ponomarev: en la trompeta (tracks 2-4)
-Isaac Smith: en la trompeta (tracks 2-4)


Traks

1.- Bamboo Forest:   4:37
2.- Univoyage:   10:54
3.- Tramp Blues:   5:19
4.- Faith Run:   4:58
5.- Sun Flower:   7:21
6.- Miro Bop:   4:03
7.- Beethoven: (Garbarek/Vitous) 7:18
8.- Medium: (DeJohnette/Vitous) 5:03
9.- Brazil: (Garbarek/Vitous) 4:26


Agradecimientos a Canal de: Driving a stolen car - youtube



Comentario de: 
Thom Jurek - AllMusic. (link)

Es su primera oportunidad como líder desde 1992, el bajista y compositor checoslovaco, nos sorprende con una serie de pesos pesados en una de las fechas más líricas del jazz moderno.

El tono vibrante, pulsante y profundamente arbolado de Vitous aparece en la compañia de  John McLaughlin, Jan garbareck, Chick Corea y Jack DeJohnette. Mientras el cristalino sonido de Manfred Eicher de ECM está por todas partes aquí, como es el jazz especulativo abierto del renombrado sello, vitous ofrece algunos giros sorprendentes  y vueltas asombrosamente hermosas con su grupo.

Vitous quién se ha mostrado a través de la música, desde el jazz-rock fusión, como miembro fundador de Weather Report, hasta  ser un compositor clásico, decidió revisar los restos estructurales de su primera sesión para el sello  en 1969. Producido por Herbie Mann el disco fue desde un puntos de vista musical, una polémica y absolutamente brillante unión de ideas tanto antiguas como nuevas. Los miembros de la banda DeJohnette y McLaughlin también estuvieron presentes aquí. 


Universal Syncopations es por momentos, un regreso a las antiguas formas pero más bien a la manera de ilustrar conceptos armónicos en un ajuste del quinteto de manera tal que permite un espacio máximo entre los músicos del conjunto mientras se mantiene en el ambiente  la noción del swing, contrapuntos e invenciones rítmicas de sus cabezas. 


De el confuso expresionismo de "Tramp Blues", con Vitous improvisando alrededor de los cambios, al legato de la frase de la guitarra a McLaughlin contra el doble tiempo en el bajo  de Vitous en "Univoyage". A las frenéticas ondulaciones de Garbareck sobre  las complicadas melodías de Corea que con su mano derecha recorre  "Brazil waves".Todo ello impulsado, y no fijado, por la rica tonalidad del líder, acentuado y puntuado por las estrictas  lineas del saxo de Garbareck. 


Esta es una de esas grabaciones en que se siente un tono familiar, pero atemporal en el concepto y la ejecución. Universal Syncopations es uno de los más hermosos sonidos escuchados en este año calendario.


Anástasis, hermoso álbum de: Dead Can Dance.




ANÁSTASIS.


Dead Can Dance




El nombre del álbum, llamado “Anástasis” proviene del  griego; significa subida, resurrección designa un tema iconográfico tomado en Oriente como imagen simbólica de la Resurrección.


Se asocia con el descenso de Cristo a los infiernos (Descensus ad ínferos), insistiendo en la victoria redentora sobre la muerte y la salvación de la humanidad afectada por el pecado original, si bien el significado primordial del término es el alzamiento o resurrección. 

Cristo, después de haber muerto y ser sepultado, descendió al Hades o infierno de los justos, donde aguardaban la resurrección los no bautizados, para vencer a la muerte y llevarlos consigo. El acontecimiento tuvo lugar antes de la Resurrección corporal del sepulcro acontecida al tercer día  de la crucifixión.


El grupo Dead Can Dance.

El grupo musical británico-australiano “Dead can Dance” formado en la ciudad de Melbourne en 1981 por el británico Brendan Perry y la australiana Lisa Gerrard son los creadores de este álbum.  La banda se radicó en Londres en 1982.




Por el transcurso del tiempo y la calidad musical del grupo, Dead can Dance Es ya, una de las bandas de culto más importantes en el género  del rock gótico, dark wave, post-punk y world music.

Ian McFarlane,  un historiador australiano de  música describe el estilo de Dead can dance como "paisajes sonoros construidos de grandeza fascinante y solemne belleza; polirritmias africanas, folclore gaélico, canto gregoriano, mantras de Oriente medio y arte rupestre"

Después de haberse disuelto en 1998, la banda se reunió brevemente en 2005 para una gira mundial y se volvió a unir en 2011, publicando este nuevo álbum “Anástasis”, y realizando varias giras.



Agradecientos a canal de: thedeepestdarkness84 - youtube


Tracks

1.- Children of the sun   7:33
2.- Anastasis   6:50
3.- Agape   6:54
4.- Amnesia   6:36
5.- Kiko   8:01
6.- Opium   5:44
7.- Return of the She-King   7:51
8.- All in Good Time   6:37



Para conocer el pensamiento acerca de la generación de ésta singular música, el medio digital “Rockaxis” entrevistó a Lisa Gerrad. Y, esto es lo que dijo acerca de las raíces de la música.  (Link)


Las raíces primigenias de la música

Pregunta: 
También han relacionado a Dead can dance con la world music, la música clásica e, incluso, la música de Oriente ¿ se cienten cercanos a esas tradiciones?


Respuesta: 
Por supuesto, nos hemos inspirado en aquellos estilos.Cuando la música es tu primer amor, nunca paras de explorar, de conocer distintos sonidos. En todas las partes del mundo, siempre puedes encontrar cosas muy interesantes, con diferentes concepciones y experiencia de las personas con la música. La música de los indígenas de Australia, está íntimamente relacionada a la naturaleza y sus sonidos. Es algo extraordinario. Cuando estuvimos en Kenia, África, lo indígenas crean un lenguaje polirítmico  que te conecta con la música ancestral de ese continente. Te hace preguntarte qué es lo que estamos haciendo en el  planeta y como estamos conectados con las cosas. Además, te das cuenta de que existe una misma frecuencia. Así pienso que la idea, es tratar de comprender quiénes realmente somos en el sentido más puro, pero al mismo tiempo, crear un puente entre otras culturas y tratar de buscar una unidad. No necesitas lenguaje hablado, para tener una sensación de vida universal, que está en todas las culturas.


Páginas de interés

- Web of: Dead Can Dance
- AllMusic. Dead Can Dance Anástasis, by Thom Jurek (En
- Hipersónica, Dead Can Dance - Anástasis: sublime 
- La Anástasis - Descenso a los infiernos: por Fco. de Asis García G.



Fuente: Wikipedia


Miles Davis y su quinteto, en singular estado. E.S.P.




E.S.P.
extra sensory perception


Miles Davis



Es posible que este álbum E.S.P. haya sido significativo para el quinteto de Miles Davis, ello porque ese afiatamiento que normalmente surgía  entre los músicos de Davis, se transformó esta vez en algo más consciente, se percataron  que en su interacción para crear este álbum surgió un estado muy especial; en el cual estaban musicalmente  conectados correctamente. De manera que determinaron que su obra debía llevar  el nombre de  E.S.P. que quiere decir en castellano Percepción Extra-Sensorial, en otras palabras telepatía.

Al escuchar el disco no se puede dudar de aquello,  por la perfección y la justa entrada y permanencia de los instrumentos en las diferentes melodías al oído del  que escucha, produciendo un grato efecto de gratificación dentro de este particular estado que produce la música.

Este especial grupo integrado por Wayne  Shorter, Herbie Hancok , Ron Carter y Tony Williams  fue quizás  el grupo que permaneció más tiempo con Davis. 
Los temas del álbum original fue grabado en enero de 1965.



Agradecimientos a Canal de: IAWTBAJS - youtube


Lado 1

1.- E.S.P. - (Wayne Shorter)   5:27
2.- Eighty one - (Ron carter/Miles Davis)   6:11
3.- Little one - (Herbie Hancok)   7:21
4.- R.J. - (Ron Carter)   3:56

Lado 2

1.- Agitation - (Miles Davis)   7:46
2.- Iris - (Wayne Shorter)   8:29
3.- Mood - (Ron Carter/Miles Davis)   8:50

A diferencia de la mayoría de los álbumes de Davis, ESP contaba en su totalidad de las nuevas composiciones escritas por miembros del grupo.

Pese a la abundancia de nuevo material, solo dos de las melodías,”Agitation” y “R.J.” se sabe que se han presentado  en las actuaciones en vivo del grupo, este último (R.J.) solo aparece en una grabación.

Little one probablemente  podría ser más conocido por haber sido incluido en el álbum “Maiden Voyage”, grabado unas semanas después.


E.S.P. de Miles Davis.
El siguiente es un  poema impresionista y abstracto de Raph J. Gleason, columnista para The San Francisco Chronicle, se compone casi en su totalidad de títulos de los álbumes de Davis, de selecciones contenidas en los álbumes.




MILES.....MUSINGS
(To be read aloud as music is to be heard)

Miles
Relaxin'...
Ahead...kind of blue...
Jazz track blue haze...
Quiet nights sketching
In Spain...in concert...at Newport...in Europe...
   Friday and Saturday nights at the Blackhawk.
Someday my prince will come!
Seven steps to heaven:
Dig!:
Walkin', cookin', workin', steamin'
(Put your little foot out),
Birth of the cool...CONCEPTION!
___________
Early Miles:
Bag's groove.
Just squeeze me in your own sweet way, doxy.
Whispering star-eyes, blue moon, au priave, FOUR!
   ((Supposin' if I were a bell?
   ((Well, you needn't, Sid's ahead.
    ))Straight, no chaser, Dr. Jakle((
Weirrrrrd blues!

Solar, oleo, sippin' at bells
Little Willie leaps. Bird feathers!
ORNITHOLOGY!
Blues.
For Pablo. Wildman
ONE FOR DADDY-O!
   ((Tune up, Freddie Freeloader.
 ___________

Dewey Square.
   ((When lights are low on Green Dolphin Street
   ((Bye, bye! blackbird!
Dear old Stockholm...
The theme WOODY'N YOU--STABLEMATES
To Whom It May Concern:
BLUE CHRISTMAS!
Poem: For brass
          Fran-dance pfrancing bird
          Gets the worm...
The meaning of the blues?
No blues! Lament.
New rhumba.

Number 81, my old flame, old folks, devil-may-care.
I thought about you, Teo.
Wait till you see her! once upon a time.
    ((Baby, won't you please come home?
I fall in love too easily.
    ((Summertime...aos pés da Cruz
    ((All of you, Stella. By starlight.
Nice work. If you can get it!
____________
Agitation! Spring is HERE! 
Ain't  misbehavin' she rote.
    ((E.S.P. once upon a summertime
    ((So near, so far, R.J., Joshua!
Mood: Drad-dog. Basin Street. Porgy.
Allllll blues, Iris.
((So what?
    ((Me.....
                ((She.....
                             ......IT))
                                           ralph j. gleason




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